Je fais des images. Qu’il s’agit d’inventer un volume à un dessin pour qu’il puisse exister dans le même espace que nous, ou d’oeuvres en deux dimensions. Je me sers des images simples, d’abécédaire, car ils on le double fonction de montrer et nommer à la fois. Si je dessine un arbre il ressemble autant ou plus au mot arbre qu’à aucun arbre existant. Mes images représentent des choses banales et évidentes, mais non dépourvu de poésie. La plupart référent a des lois de physique simples et à ces conditions primaires dans lesquelles on conçoit un objet ou un œuvre plastique (phénomènes minimaux concrets).

   Il y a ceux qui suivent la chaîne des dimensions (point, ligne, plan, volume) et d’autres qui font référence aux différents états de la matière: gazeux (nuage, fumée), liquide (l’eau) et solide (pierre). Quelques-uns figurent des matériaux bruts, qui existent dans la nature telle qu’elle (bois et pierre), ou parlent de l’informe, de choses sans forme déterminée, (l’eau, les nuages, la fumée, les pierres, les tas de cordes et tissus=lignes et plans).  Il y a aussi des images de la surface qui cache, qui fait barrage au regard (les drapées).  

   Mes moyens de production, à l’époque de la technologie numérique, sont archaïques et inefficaces. J’ai une pratique d’atelier, ce qui veut dire que je travaille avec mes mains. Ceci laisse des traces sur les œuvres, des gestes effectués. Ces marques, ce « j’étais là »  m’a ramené à la pratique de la peinture que, depuis quelque temps, j’avais poussée en arrière-plan. Dans mes peintures, l’image imite le geste, le tracé du pinceau, et l’inverse. Le geste y est prédéterminé, répétitif et maniéré. Je voudrais que mes œuvres soient toujours des images critiques d’eux-mêmes, de ce qu’ils sont. Ceci est une des raisons pourquoi j’ai toujours travaillé plusieurs médiums à la fois, voyagent librement des images « plates » aux objets en volume quand le besoin se manifeste.

Même le plus mince des papiers a une épaisseur. Une image dessinée est un dessin, mais avant d’être dessin elle est une quantité de matière déposée sur un objet ayant son poids et sa taille, à l’égal de moi-même. D’abord je considère chacune de mes pièces comme objet dans le monde. C’est-à-dire comme chose tangible, pouvant projeter une ombre.

 

Comme le disait Merleau-Ponty, voir c’est avoir à distance. Ce que je vois n’est pas à l’endroit d’où je le vois. Ensuite on apprend à regarder. C’est-à-dire que le regard est toujours intentionnel. Pour cela il faut reconnaître ce qu’on regarde, avoir des points de repère. Lorsqu’il publie Les Mots et les Choses, Foucault reçoit une lettre de Magritte : pour l’artiste, dans la nature il y a des similitudes, mais la ressemblance ne peut avoir lieu que par l’intermédiaire de la pensée. Seul l’homme peut reconnaître ses semblables dans les quelques traits d’un dessin (tels les Stick Figures de Matt Mullican).

 

   Et si observais la représentation, aussi bien mentale que tangible, comme un outil permettant de naviguer dans l’environnement? Cela en vue de formuler une perception del’autour. Pour pouvoir tirer la moindre conclusion de ce qu’on aperçoit, on doit avant tout nommer les choses. Ce qui signifie réduire et séparer en morceaux l’Ensemble, le monde. En dessinant on effectue une opération de la même espèce : le trait est un outil, un interprétation du dessinateur, qui réduit l’information dans une forme maîtrisable. Le contour qui se dessine autour des choses les sépare de leur contexte et rend ainsi possible leur généralisation et leur conceptualisation.

 

    La ligne droite est le chemin le plus court entre deux points. La seule ligne droite que nous apercevons dans la nature est la ligne de l’horizon, qui sépare la terre du ciel. Dans mon travail, la ligne de dessin la plus importante et celle qui n’est plus, celle le long de laquelle la séparation s’est déjà faite.

The willingness of the gaze to see images, in simple brushstrokes or stains, is caused by its need to interpret everything.  We constantly give meaning to everything we perceive, to a world that has none.  There is nothing trivial enough, not to be able to bear ontological, poetic, existential or other meanings. This is why we see images appearing on shapeless surfaces such as the clouds or rocks (cave walls). Because of the apparitions of images (light and shadow, forms in space) in a puddle of paint, one is tempted to paint as if looking at clouds. But I always aspired for a less expressive and more analytical practice of painting, and thus prefer to decipher these phenomena rather than let myself be bewildered by them. I choose images that share a possible resemblance to the brushstroke itself. I try summarize the information, to do with as few types of gesture as possible. I would like to do paintings that would leave the viewer indecisive, (much like with Wittgensteins rabbit-duck) as to weather he is looking at an image of paint or a representation in perspective (denying the flatness of the surface).

 

 

 

 

 

 

La bienveillance du regard, à voir images dans de simples coups de pinceaux ou taches, tient de sa nécessité de tout interpréter.  Nous donnons sans cesse du sens à tout ce que nous apercevons, à un monde qui en est dépourvu. Il n’y a rien qui soit assez trivial pour qu’il ne puisse porter des significations ontologiques, poétiques, existentielles ou autre. C’est pour cela qu’on voit des images se former sur des surfaces informes telle les nuages et surfaces de pierres, comme dans les murs de cavernes. L’apparition des images (ombre et lumière, formes en espace) dans la masse de la peinture fait qu’on sera tenté de peindre comme on regarde les nuages. Mais je me suis toujours aspiré a une pratique de la peinture qui sera plus analytique qu’expressive, et préfère donc plutôt décoder ces phénomènes que de me laissée emporté par elles. Je choisis des images dans lesquelles il y a une ressemblance possible avec le tracé du pinceau lui-même. Ensuite j’essaye de faire avec une économie de moyens, des gestes. Je voudrais faire une peinture qui mettra le spectateur dans l’impossibilité de se  décider, (comme avec l’image du lapin-canard de Wittgenstein) si ce qu’il a sous les yeux est une image de la peinture, ou une image d’une  représentation en perspective, c’est-à-dire qui nie la planéité du support.

 

   La photographie c’est l’application mécanique de la perspective. La série des Nocturnes assemble des morceaux de photos trouvées (journaux et magazines) en strates, en un espace  vu d’un seul œil. Ces montages sont des petites scènes de théâtre,   éclairées par un spot qui dramatise et désigne, et  laisse dans le noir.  Un montage est une œuvre visiblement fragmentée, composition construit de morceaux toujours séparés, que le spectateur assemble en une entité cohérente. Un montage peut se construire dans une seule image, comme dans montage photo, ou dans la durée, à la manière du montage cinéma. Mes installations de sculptures de plâtre moulé sont conçues comme des montages en chaîne.  Dans ces installations, toutes les  choses sont rapportées a une échelle identique telle des images ou signes.  La plupart du temps, mes pièces ont la même taille que les choses qu’elles représentent. Qu’il s’agit de tableaux ou d’objets dans l’espace, je porte une attention particulière à la taille. Je me mesure aux choses de ce monde ; on ne saura être petit ou grand que par rapport à un autre. (Enfant, je voulais grandir pour enfin avoir le monde à mon échelle.)